Principal artele Recenzie: Galeria Aicon prezintă pigmenții colorați ai lui Victor Ekpuk și Natvar Bhavsar în expoziții paralele

Recenzie: Galeria Aicon prezintă pigmenții colorați ai lui Victor Ekpuk și Natvar Bhavsar în expoziții paralele

Ce Film Să Vezi?
 
Două spectacole în desfășurare la Aicon Gallery. Galeria Aicon Galeria Aicon

Culoarea este un limbaj polifonic care aduce artistul nigeriano-american Victor Ekpuk (n.1964) și indian-american Natvar Bhavsar (n.1934) să exploreze întinderea unei palete expresive, bogat saturate pentru a desena noi geografii în spectacole paralele la Galeria Aicon .



La trei ani după a prima expoziție individuală , Ekpuk prezintă în „ Eu sunt Esența Strămoșului Meu picturi și sculpturi din oțel din 2014 până în 2022, reluând noțiunea de casă, dezrădăcinare și tradiții reimaginate. Prin lovituri îndrăznețe false naive, Ekpuk dă corp și voce culorilor primare dominante. Ei răcnesc; provocare; și perturbă. Ekpuk reinterpretează în moduri sensibile, dar grafice, nsibidi, simboluri pictograme tradiționale din sudul și sud-estul Nigeria, care au călătorit în Haiti și Cuba împreună cu comerțul cu sclavi din Atlantic.








Astfel de simboluri plutesc deasupra minții personajelor, de exemplu în picturi Matriarhul 2 (2021) și Cap la Cap 2 (2022) și sculptură Fata Ibibio (2022), care transmit intraductibilitatea gândurilor interioare. În Oracol (2014-2022), forme albastre inspirate de nsibidi înfășoară întreaga pânză. Totalitatea lor solidifică trăsăturile lor indivizibile. Personajul – cvasi-simetric și texturat – se îmbină în această vastă inconștiență colectivă care nu este nici trecută, nici prezentă. Fața lor este simbolizată de un ochi omniscient. Mintea observă în primul rând; funcția sa este de a vedea ceea ce este atât vizibil, cât și ascuns.

Victor Ekpuk, Head to Head 1, 2022, Acrilic pe pânză, 60 x 48 in (152,4 x 121,92 cm). Prin amabilitatea galeriei și a artistului. Cu amabilitatea Aicon Gallery



De la rădăcini africane la peisaje mai apropiate, Acest american (2022) este o încercare impresionantă de a surprinde aspectul fizic al Blackness în societatea americană de astăzi. Pictura se bazează pe o schiță anterioară, numită atunci Șef de stat (2011). Liniile ascuțite și vii sugerează diviziune, confruntare și liminalitate - există un interior și un exterior, un sine și alții. Personajul asemănător totemului – o iconografie recurentă în operele de artă lui Ekpuk – stă în picioare. Părul lor formează contururile unor priveliști ambigue. Se poate ajunge la alții în aceste interstiții sau se poate proteja de atacurile externe. Aici formele nsibidi adaugă, de asemenea, modelului și texturii care rezistă ștergerii.

„Nu este necesar să încerc să-mi citesc literalmente opera, este mai important să ne permitem să simți arta, fără sarcina de a căuta sens în fiecare marcă.” a spus Ekpuk într-un interviu cu Art Breath, pe un vocabular personal pe care l-a derivat din artă și scris. Un bursier al Smithsonian Institution, aflat acum în DC, lucrările lui Ekpuk au fost prezentate în Bienala de la Johannesburg (1995), Bienala de la Dakar (2014) și Institutul Lumii Arabe (2017) printre alte locații și colecții remarcate.

Victor Ekpuk, Liberian Girl, 2022, Acrilic și colaj pe hârtie, 30 x 22 in (76,2 x 55,88 cm). Prin amabilitatea galeriei și a artistului. Prin amabilitatea galeriei și a artistului.






Arta pe hârtie a lui Ekpuk, prin acrilic pe colaj, celebrează feminitatea și atributele sale sacre. Tesatura si mai multe semne labirintice nsibidi definesc siluetele statuetelor, amintind cum bronzuri din Benin și alte artefacte indigene dobândite pe nedrept rămân într-un număr obscen de colecții, departe de locul în care le aparțin cu adevărat - acasă, în comunitățile lor. Încrederea și sfidarea Fata din Liberian (2022) contrastează cu privirea melancolică în Doamnă în rochie de duminică (2022) și există un grad de pierdere în ambele imagini. În primul, conturul roșu, neumplut al unui totem bântuie ca o amintire dureroasă, în timp ce cel din urmă poartă un nor de gânduri sinuoase, aruncând o umbră într-o zi altfel însorită.



În astfel de lucrări, Ekpuk folosește codurile portretelor și icoane colorate incendiare pentru a denunța moștenirile coloniale și estetica lor simplificată. Ca întruchipare a unui sol mental și a unui cămin cultural, totemurile sunt martorii esențializați ai unei identități fluide care caută să capteze dorurile cerești și recunoașterea fermă a unui pământ și a unui teritoriu. Culoarea este un mijloc de a percepe și o astfel de experiență fenomenologică este de neegalat în lucrările lui Natvar Bhavsar.

Partea a III-a: Lucrări din 1987 până în 2005 ” formează a treia ediție a unei retrospective serializate. În acest ultim spectacol care cuprinde 14 tablouri, Bhavsar se joacă cu infinitatea lingvistică a culorii pe care o transformă într-un dans, o intimitate, o mișcare de pigmenți dezbrăcat de elemente figurative. Făcând acest lucru, el dezvăluie puterea intensității vizuale în termeni minimalisti, dar puternici.

Natvar Bhavsar, RANAK, 2001, Pigmenți uscați cu ulei și medii acrilice pe pânză, 44 x 38 in (111,76 x 96,52 cm). Prin amabilitatea galeriei și a artistului. Prin amabilitatea galeriei și a artistului.

Bhavsar, născut în India, s-a mutat în New York în 1962, într-o perioadă în care artiștii locuiau în aceleași cartiere cu galeriile, iar mediul SoHo includea profiluri familiare precum Mark Rothko și Barnett Newman. În abstractizare, Bhavsar își amintește de culorile textilelor și vopselelor indiene și de pulberile Festivalului Holi. Culoarea este un refugiu pentru capriciile amintirilor, difracțiile minții și potențialul ei eliberator.

Bhavsar prezintă trei corpuri de lucrări care îmbrățișează colectiv tensiunea de a explora mintea și de a-și găsi locul în lume. Această dualitate este prezentată ca o explorare treptată a culorilor reci până la calde, dintre care majoritatea conțin un miez dens de pigmenți, cum ar fi VASOO II (1997) și VASOO III (1997). Aceste stropi, pufături și pete canalizează granița nemăsurabilă a spațiului cosmic, o scară maleabilă care se pretează și la forme moleculare. Fie că este infinit de mare sau ireductibil de mic, mintea noastră rătăcește în diferitele difracții și declinații pe care acești pigmenți le sporesc.

Din culoare intens saturată, picturi precum MANJAREE II (1996) și VERGAA (1973-2004) aduc nuanțe mai discrete, eterice. Cu ei, ne oprim și timpul stăruie atât de ușor într-o perspectivă edenică, asemănătoare bumbacului. GAT III (2001) este mai aglomerat și tulburat, cu gri desaturand nuanțe galbene.

Bhavsar pictează de obicei în faze sau cicluri, alternând între albastru, roșu și violet și multe altele. Nu există o culoare pe care să nu fi abordat-o în cariera sa de peste 50 de ani. Lucrări mai recente precum BHADRAA III (2005) și ANDHARE (2005), aplică măiestria controlată în sculptarea unor adâncituri și detalii frumoase care conversează cu interpretarea artistică a lui Ekpuk a nsibidi sau Rachid Koraichi' e letrismul mistic.

Este greu de exprimat în cuvinte emoția senzorială pe care o provoacă aceste picturi. Bhavsar este parțial magician, parțial muzician și talentul experimentat care pătrunde prin lucrările sale stăpânește în aparenta lui simplitate. Acolo unde Ekpuk comunică dragoste viscerală și violență, lumina difuză a lui Bhavsar pare mai iertătoare, dar nu mai puțin profundă.

Natvar Bhavsar, AKSHYAA, 1992-93, Pigmenți uscați cu ulei și medii acrilice pe pânză, 66 x 90 in (167,64 X 228,6 cm). Prin amabilitatea galeriei și a artistului. Prin amabilitatea galeriei și a artistului.

Bhavsar înțelege întunericul și umbrele ca variante necesare și interlocutori ai însoțitorilor prismatici, o subiectivitate care își însușește pictura ca mai mult decât o simplă materie sau mediu. Bhavsar descrie evanescența și reveriile, fumul unui moment și aliterații ale elevației umane în moduri mult mai organice decât mișcarea de lumină și spațiu de pe Coasta de Vest din anii 1960, care a fost reînviată prin spectacole recente precum „ Color Out of Darkness” curatoriată de James Turrell la Pace primavara trecuta. În timp ce lucrările sale fac parte dintr-un număr impresionant de colecții instituționale și private, contribuția sa la expresionismul abstract contemporan a fost adesea subapreciată.

„Culoarea mă posedă. Nu trebuie să-l urmăresc. Mă va urmări mereu, știu asta”, a scris Paul Klee în jurnalul său, în timpul unei călătorii memorabile de două săptămâni în Tunisia împreună cu colegii artiști August Macke și Louis Moilliet în 1914. „Color și eu suntem una. Sunt pictor”, a adăugat Klee în aceeași zi.

Atât de multe din jurul culorii rămân evazive, imateriale și consacrate. Luminozitatea este o aură, o energie, stimuli care creează dependență și viață pură. Atât în ​​spectacolele lui Ekpuk, cât și în cele ale lui Bhavsar dedicate deplasării și sentimentelor, vedem în culoare o inimă care bate, remanențe ale viselor, imagini ulterioare și sunetele neclintite ale altundeva.

Abonati-va la Observer’s Arts Newsletter

Articole Care S -Ar Putea Să Vă Placă :