Dacă ați întâlnit pentru prima dată imagini de nativi americani în arhivele secolului al XIX-lea care îi înfățișează pe nativi ca subiecte exotice, din păcate nu ești singur. Institutul de Artă din Minneapolis remediază această violență și nedreptate istorică printr-un studiu amplu al fotografiei autohtone din 1890 până în prezent, concentrându-se pe America de Nord, care prezintă fotografii expansive și generoase ale indigenilor realizate de indigeni.
„În mâinile noastre” a fost conceptualizat dintr-un loc de uimire. „În copilărie, nu am știut niciodată că există atât de mulți fotografi indigeni acolo, din trecut și din prezent”, a scris cocuratorul Jaida Grey Eagle în catalogul expoziției. Această prefață canalizează noțiunea de recunoaștere întârziată, care decurge din cunoștințe limitate în principal la savanți și experți, care sunt acum împărtășite pe scară largă. Prin mai mult de 150 de lucrări istorice și contemporane ale fotografilor nativi americani, métiști, din Primele Națiuni și inuiți, spectacolul umple o lacună academică critică în timp ce pune sub semnul întrebării relația dintre mediu și subiect la nivel individual și comunitar, inclusiv modul în care subiecții se raportează la personalitate, cultură și un ecosistem în schimbare.
VEZI SI: „Pacita Abad” la Muzeul de Artă Modernă din San Francisco
Expoziția indigenizează canonul care acordă cotizații lui Jennie Ross Cobb (1881–1959) din națiunea Cherokee, prima femeie fotograf ameridiană înregistrată. Un descendent al Trail of Tears, în care zeci de mii de nativi americani au fost curățați etnic și deportați cu forța spre vest în urma Actului de îndepărtare a indienilor din 1830, Ross Cobb a luat o cameră la începutul secolului al XX-lea. Ea a documentat viața nativului pe teritoriul indian înainte ca Oklahoma să devină stat. Spectacolul include câteva dintre depeșele istorice ale lui Ross Cobb, cum ar fi femeile care stau în curtea seminarului Cherokee sau în timpul ieșirilor lor. Într-una dintre fotografiile ei monocromatice, femeile merg jucăuș pe noile șine de cale ferată. Privitorul contemporan este atras de ținutele lor cu aspect alb și de comunitatea lor.
Bucuria care pare să radieze din aceste bucăți zilnice de prietenie și rezistență împotriva traumei reinstalării forțate este în contrast cu moștenirile istorice mai explicite care pătrund în prezent. Fotograful Metis, Rosalie Favell, își amintește că multe sunt reînviate și dobândite în timpul anilor formativi de școală, în special atunci când instituția este un spațiu dominat de albi. Prima mea zi de asimilare , (1996/2022) din seria sa „De la o vârstă fragedă” suprapune o fotografie din copilărie în care artista stă lângă o peluză albă, împodobită cu gălbenele, cu semne roșii. Ea contextualizează imaginea în fundalul politicilor școlare asimilaționiste canadiene, zguduind ceea ce pare mai întâi ca un ritual comun de prima zi de școală. În cazul ei, acesta întruchipează diferite straturi de violență.
Pe lângă faptul că evidențiază relația tensionată cu instituțiile care le-au alterizat și brutalizat, Favell atinge o temă curentă care leagă împreună diferitele lucrări din spectacol. Ce face ca o persoană indigenă să fie indigenă? Și cine are dreptul să le califice? În calitate de artistă metisă, ea pune la îndoială dualitatea și apartenența, în timp ce se angajează cu sine augmentat în fundalul „cuantumului sângelui”, o măsură federală contestată impusă triburilor native pentru a-și limita cetățenia.
Rasa și identitatea sunt încurcate și în permanentă negociere. Spectacolul se confruntă, de asemenea, cu percepțiile și experiențele identităților de gen și interpretările indigene fluide capturate în noțiunea de „două spirite”. Persoanele cu două spirite se identifică ca deținând atât spirite masculine, cât și feminine, un termen care poate fi extins pentru a include ciudatul și nonconformismul. Dayna Danger și-a folosit corpul pe cameră pentru a reconecta cu sora ei soră (2013). Cele două femei stau ca alter ego-uri și umbre una față de cealaltă – blondă lângă brunetă, cu extensii de păr atârnând între picioare. Ei se uită la noi, provocându-ne privirea și proiecțiile într-o tăcere suspendată.
Proiectele conceptuale analizează problemele de reprezentare și traducere. Strămoșii și greutatea trecutului plutesc. De exemplu, cele cinci panouri la scară largă ale Danei Claxton din seria „The Mustang Suite” (2008) canalizează din punct de vedere compozițional tradiția portretelor de familie, în timp ce tachinează expresiile individuale. Imaginile sunt juxtapuse ca o alegorie a mobilității indigene, a performanței și a jocului de rol. În Mama are o fată ponei (numită History și o eliberează) , Claxton folosește pastișă și grotesc pentru a pune în scenă agenția mediată și lipsa de drepturi moștenite. Umorul autodepreciant este folosit ca un dispozitiv pentru a procesa traume și reprezentări contra-monolitice. Îl exorcizează pe artist de paradigmele impuse extern și așteptările nerealiste. Această alegere creativă o leagă pe cea a lui Favell Am visat să fiu un războinic (1999), în care își introduce fața pe corpul rolului principal al lui Lucy Lawless din serialul TV Xena: Prințesa Războinică ținând în mână un Dreamcatcher. Procedând astfel, umorul măsoară distanța dintre trecut și prezent, legendele și poveștile față de realitatea mai înnoduită.
Spectacolul prezintă subiecții indigeni ca puncte focale de sine stătătoare, în comunitățile și mediile lor. Aduce artefacte tradiționale, care uneori devin vii ca personaje în cadru. Acesta este cazul tipii - un simbol puternic al casei, adăpostului și rezistenței. Imaginea lui Russel Albert Daniels despre tabăra și protestul Standing Rock ( Condițiile de viscol ajută luminile de securitate DAPL să ilumineze tabăra Oceti Sakowin de la Standing Rock Sioux Nation, 4 decembrie , 2016 ) imortalizează nemulțumirea și ne modifică viziunea asupra luminilor de securitate care sunt transformate într-o prezență liniștită, radiantă a strămoșilor, halouri care sparg mantia albastră rece a nopții.
Palmer (Kiowa), Gunner lateral în interiorul unei cetăți zburătoare B-17, Tampa, Florida”, c. 1944. Universitatea de Științe și Arte din Oklahoma, Chickasha, Colecția Horace Poolaw, (45UFL13), prin amabilitatea familiei Poolaw și a MIA
Pe lângă tipi, curatorii au încorporat cultura materială nativă în fotografia sculpturală. Instalarea la scară largă de fotografie și textile de la Faye HeavyShield ( Clan , 2020) dă încarnare matrilineage-ului. Portretul ei intergenerațional de familie emulează un portret de studio al anilor 1920 al bunicii lui HeavyShield. Fotografiile ei afirmă continuitatea și puterea, în timp ce expunerea fizică a robelor evocă genealogii prețuite, moșteniri, transmisii afective. Vedem, de asemenea, persistența materialității în pielea de căprioară brodată a lui Catherine Blackburn, întinsă într-un cadru de lemn, care conectează meticulozitatea mărgelelor cu prelucrarea pielii. Piesa, prezentată publicului, este plasată una lângă alta cu o fotografie lightbox a unui model întors de la cameră, purtând pe spate o cârpă similară ca o pelerină ( Dar nu există cicatrice II , 2019). Aceasta servește la contextualizarea obiectului și la înrădăcinarea acestuia într-o practică, ridicând meșteșugurile (deseori minimizate greșit) drept artă.
Bazându-se pe un consiliu curatorial format din membri ai comunității indigene și experți, expoziția a beneficiat de o abordare pluralistă ilustrată în observarea procesului decizional bazat pe consens. Spectacolul include și o sală de reflecție pentru vizitatorii indigeni care doresc să o folosească. Institutul de Artă din Minneapolis a prezentat anterior lucrări de artă de la peste 100 de artiste femei native în 2019 („ Inimile poporului nostru ”), care a oferit deja perspective bogate și resurse de învățare.
Pe fondul reprezentărilor de realism magic, portrete intime, imagini de protest, inversare a tropilor și documentare de zi cu zi, există multe lucruri care se întâlnesc cu ochii în „În mâinile noastre”. Ni se reamintește că fotografia rămâne un instrument captivant de-a lungul erelor istorice, suportul camerei având adesea autoritate necontestată asupra subiectului. Ce se schimbă atunci când fotografiem dintr-un loc de rudenie în loc de dominație? Spectacolul ne lasă senzația că un văl a fost ridicat pe o întindere care necesită burse suplimentare și continue și angajament public (dincolo de Luna Patrimoniului Nativ american). Prin diversitatea sa, fotografia nativă evită caracterizările reductive – și acesta este un început revigorant de grozav.
„ În mâinile noastre: fotografie autohtonă, 1890 până în prezent ” este expusă la Institutul de Artă din Minneapolis până pe 14 ianuarie.
