Tim Burton și Tim Johnson, Mike Burse's Corpse Bride, dintr-un scenariu de John August, Pamela Pettler și Caroline Thompson, cu muzică originală de Danny Elfman, marchează cel de-al 20-lea an al eforturilor constant excentrice ale domnului Burton cu filme care și-au găsit favoarea în rândul publicului tânăr. , și cu admiratori de toate vârstele pentru tendințele ciudate, morbide și de-a dreptul ciudate din opera sa. La nivel de consumator-consultant, permiteți-mi să spun mai întâi că Corpse Bride este mult superioară din punct de vedere artistic față de Mr. Burton’s Charlie and the Chocolate Factory, lansată la începutul acestui an. Totuși, pentru toate meritele sale, Corpse Mireasa m-a deprimat nemăsurat. Adevărul este că, la vârsta mea, mă găsesc prea aproape de indiciile de mortalitate pentru a aprecia bătăile vesele ale domnului Burton în cimitir. Poate că ar trebui conceput un sistem de rating pentru cineii mai în vârstă ca mine, care să ne protejeze de capriciile de fapt ale domnului Burton cu privire la scheletele osoase cu viermi în ochi. Acum, la mijlocul anilor 40, domnul Burton nu și-a depășit niciodată dragostea pentru elementele copilărești (dacă nu chiar copilărești) din divertismentul cinematografic.
Spun acest lucru pentru că la proiecția Corpse Bride la care am participat, copiii din audiență păreau încântați de procedurile înfricoșătoare mult mai mult decât eram. Dar la ce te aștepți? Moartea este o perspectivă mult mai îndepărtată pentru ei decât pentru un tip vechi ca mine. În orice caz, domnul Burton, la fel ca mulți cineaști, pare să fi avut o copilărie relativ singură. Intrarea biografică din The Film Encyclopedia a lui Ephraim Katz este instructivă în acest sens:
Născut în 1960 în Burbank, California, fiul unui angajat al Departamentului Parcurilor, a petrecut multe ore reclinate din copilărie vizionând desene animate și filme de groază la televizor și a început să deseneze desene animate în timp ce era încă la școala generală. A câștigat o bursă Disney pentru a studia animația la Institutul de Arte din California și la vârsta de 20 de ani a început să lucreze la Disney ca ucenic animator. A obținut succes cu propriul său film de animație, scurtmetrajul premiat de șase minute, Vincent, modelat după și povestit de eroul său din copilărie, Vincent Price. Trecând la scurtmetraje de acțiune live, a realizat o versiune a lui Hansel și Gretel cu o distribuție asiatică. Apoi a regizat pentru Disney Frankenweenie, o parodie de 30 de minute de acțiune live a lui Frankenstein, în care monstrul este un câine. Considerat prea înfricoșător pentru copii, filmul nu a fost niciodată lansat, dar a dus la angajarea lui Burton de către Warner Bros. ca regizor al Pee-Wee’s Big Adventure, care a devenit un succes la box-office. Destinat pentru piața pentru copii, filmul a atras anumiți critici prin originalitatea, inventivitatea sa vizuală și un ochi pentru absurd, calități care au devenit semnele distinctive ale lui Burton și care au fost puternic evidente în următoarele trei filme: dormitorul de la box-office Beetlejuice, succesul de succes Batman și popularul basm pentru adulți Edward Scissorhands. Continuarea Batman Returns a extins simbolismul ciudat al filmului pentru imagini din copilărie și obsesii pentru adulți. După Batman Returns, el a semnat un acord pentru a produce filme pentru Disney.
Am urmărit apariția domnului Burton ca un auteur incontestabil chiar și atunci când el nu și-a regizat producțiile, ci la o distanță mare - atât de mare, de fapt, încât nu-mi amintesc pentru viața mea nimic din ce am scris vreodată despre el. Nu mi-a displăcut duoul Batman și am fost ușor respins de Edward Scissorhands și Beetlejuice, deși am fost moderat impresionat de stilurile de actorie subtil reticente ale lui Johnny Depp și Michael Keaton.
Mireasa cadavrului se dovedește a fi un amestec măreț de păpuși și animație, care este mult prea complexă din punct de vedere tehnologic și laborioasă pentru acest recenzor luddit fără speranță, care bate această recenzie pe o mașină de scris portabilă Smith-Corona SCM Classic 12. Tot ce știu este că toate personajele, vii și morți, au ochi uriași și corpuri deformate. Vocile sunt oferite de Johnny Depp în rolul lui Victor Van Dort, mirele nefericit care se trezește logodit cu două femei, doar una dintre ele în viață, în același timp: Helena Bonham Carter în rolul Corpse Bride și Emily Watson în rolul Victoria Everglot, cea vie viitoare mireasă. Părinții lui Victor sunt exprimați de Tracy Ullman în rolul lui Nell Van Dort și Paul Whitehouse în rolul lui William Van Dort, părinții Victoria de Joanna Lumley în rolul Maudeline Everglot și Albert Finney în rolul lui Finnis Everglot. Richard E. Grant este vocea mereu batjocoritoare a ticălosului total Barkis Bittern. Christopher Lee sună în timp ce pastorul Galswells, dominator grotesc, și compozitorul Danny Elfman (care a fost cu domnul Burton de la începutul carierei sale) cântă vocea lui Bonejangles, liderul trupei de cimitire.
Intriga, așa cum este, se bazează pe stângăcia extremă a lui Victor în repetiția de nuntă, obligându-l să fugă umilit la un cimitir împădurit, unde așează în mod greșit verigheta Victoriei pe o ramură de copac care se metamorfozează brusc în mâna și degetul Miresei Corpului. , cu mireasa însăși ieșind în toată forma ei de rezervă, scheletică din mormântul în care stăpânea de când a fost ucisă de mirele ei rău, de vânătoare de avere. Există, la început, o notă de Ichabod Crane în Victor Van Dort, dar cu accidente mult mai largi de nervozitate isterică. Pe măsură ce povestea se dezvoltă, totuși, expansivitatea lirică a muzicii domnului Elfman oferă un fundal de dulceață pentru a servi drept contrapunct pentru detaliile îngrozitoare ale părților corpului în descompunere și dezintegrare. Într-adevăr, dacă Corpse Bride funcționează deloc - și nu sunt sigur că o face - este ca un musical mordant nu lipsit de spirit și o măsură de angajament emoțional.
Toate cele trei personaje principale se transformă pe rând în două pentru întinderi de curte la pian cu două mâini, dar liniile de demarcație dintre această lume și următoarea devin din ce în ce mai neclare. Acest lucru este valabil mai ales atunci când refrenul Bonejangles fură spectacolul (ca și cum ar fi) cu abținerea lor recurentă la fiecare strofă din ce în ce mai plângătoare din povestea Miresei Corpse din Rămășițele zilei.
Se spune astfel: Mori, mori, toți murim / Dar nu purta o încruntare pentru că este cu adevărat O.K. / S-ar putea să încercați să vă ascundeți și să încercați să vă rugați / Dar ajungem cu toții la rămășițele zilei. Acum știu undeva în mine că există un omuleț care dă din cap în acord cu adevărul existențial al refrenului, dar îi interzic absolut acestui omuleț să bată la unison cu cântăreții Bonejangles. Ceea ce urmează în narațiune este la fel de îngrijit și dulce ca o rimă de pepinieră. În mod normal, aș fi considerat rezoluția acestui triunghi bizar atât de inventat sentimental încât a devenit un exemplu de a avea tortul (sau cadavrul) și de a-l mânca, de asemenea. Totuși, domnul Burton coboară, deși cu întârziere, de partea vieții și a iubirii și nu aș fi putut suporta dacă nu ar fi făcut-o. Deci, bucurați-vă de Corpse Bride, dacă puteți. Nu am făcut-o, deși a trebuit să recunosc că a fost destul de realizat pentru ceea ce a fost.
Fata lui tata
Keane din Lodge Kerrigan, după propriul scenariu, este al treilea film narativ la persoană în primul rând distinct și foarte apreciat, pe care domnul Kerrigan l-a dovedit în ultimii 11 ani. A debutat cu Clean, Shaven (1994), un studiu atent al unui personaj schizofrenic pe nume Peter (Peter Greene), care rătăceste încercând să găsească un scop existenței sale după ce a fost eliberat dintr-o instituție mintală. Între timp, tânăra sa fiică a fost dată în adopție de mama ei, o polițistă care suspectează că Peter este ucigașul brutal al unei alte fetițe și care este fierbinte pe urmele sale.
A doua lungime a domnului Kerrigan, Claire Dolan, a fost o narațiune mai simplă și mai puțin îndoielnică decât Clean, Shaven, în timp ce urma personajul principal, interpretat de regretata Katrin Cartlidge, în rundele numite ca o fată de telefon la un preț ridicat care operează în diverse localizări între New Jersey și New York, o regiune care a devenit gazonul ales al domnului Kerrigan. Este o lume tranzitorie de moteluri, baruri ieftine și standuri de o noapte.
Keane este mai apropiată prin indistinctul său de divergență față de Clean, Shaven decât de Claire Dolan din momentul în care începe, oarecum misterios, în terminalul de autobuz al Autorității Portuare din New York, unde William Keane (Damian Lewis) își caută frenetic copilul de 6 ani. fiică, care a dispărut de șase luni după ce ar fi dispărut în terminalul de autobuz în timp ce se afla în grija lui Keane. Cel puțin asta susține Keane în timp ce butoniere completează pe străini cu o fotografie a fiicei sale și o decupare a ziarului decolorată a dispariției ei, pe care niciuna dintre ele nu o vedem vreodată pentru noi înșine, ducând la suspiciunea că Keane neîngrijit și aparent demențiat ar fi putut să fi inventat toata povestea. În primul rând, este arătat mereu mormăind sau chiar strigând cu voce tare pentru el însuși, fiind urmărit fără încetare de camera portabilă a cinematografului John Foster, care rămâne aproape de Keane, dar nu suficient de aproape pentru a face publicul să se identifice cu punctul său de vedere. Este ca și cum o a treia persoană nevăzută ține cont de Keane din anumite motive nespecificate.
Domnul Lewis, un actor britanic foarte talentat, afișează un accent american impecabil în ceea ce înseamnă o monopolizare hiper-wellesiană a timpului și a spațiului ecranului. Tocmai când a început să ne epuizeze răbdarea, incitând o bătaie prostească în jurul unei stații de taxiuri cu un bărbat pe care îl suspectează fără rost că și-a răpit fiica, complotul începe să se îngroașe considerabil, pe măsură ce întâlnește o mamă singură cu noroc, Lynn Bedik (Amy Ryan), și fiica ei de 7 ani Kira (Abigail Breslin) la hotelul său. Keane este în mod clar fascinată de fetiță, probabil pentru că îi amintește de propria sa fiică pierdută și, probabil, doar pentru că este un pedofil periculos care are fantezii despre o fiică pierdută de mult.
L-am văzut pe Keane răsfățându-se într-o întâlnire sexuală cu băutură de cocs, cu o femeie altfel neidentificată, dar lipsa sa de potență sexuală în această întâlnire trezește suspiciuni mai încărcate de suspans asupra perversităților sale sexuale. Când Lynn îi cere lui Keane să-și așeze fiica în timp ce pleacă din oraș pentru a primi niște bani de la fostul ei soț, tensiunea crește în mod sensibil, pe măsură ce Keane și Kira se leagă ca un tată surogat devotat și o fiică surogat complet de încredere. În timp ce Kira, bine interpretat de doamna complet adorabilă Breslin, încearcă să-l înveselească pe Keane descurajată, el nu face niciodată mișcarea falsă sau suspectă pe care o anticipăm cu nerăbdare. Nu pot spune dacă domnul Kerrigan joacă biliard murdar cu noi în public sau nu. Abuzul de copii este încă un tabu grav, atât pe ecran, cât și în afara ecranului, dar filmele recente au trecut linia (în special în sectorul independent) și, în orice caz, nu putem fi niciodată siguri despre un personaj care pare să aparțină unui mental instituţie.
Într-adevăr, nu vreau să scurtcircuit suspansul spunându-vă ce se întâmplă în cele din urmă. Totuși, nu pot evita unele speculații de autorist cu privire la o notă biografică criptică pe care domnul Kerrigan a inclus-o în notele de producție ale filmului: locuiește în New York cu fiica sa Serena. În primul său film, Clean, Shaven, protagonistul a pierdut custodia unei fiice și este suspectat de uciderea fiicei altcuiva. În Claire Dolan, protagonistul vrea să renunțe la prostituție, astfel încât să poată avea un copil propriu. Și în Keane, o fiică posibilă reală este aproape înlocuită prin magie de o fiică surogat cu un rucsac izbitor de similar în același terminal de autobuz.
Obsesia pentru fiice este suficient de plauzibilă, dar singurătatea mobilă a protagoniștilor domnului Kerrigan ridică diferite întrebări cu privire la viziunea autorului asupra vieții și societății. S-ar părea că înotăm cu toții într-o mare de indiferență comunală și presupun că aceasta este o descriere a lumii de astăzi la fel de potrivită ca oricare alta.
Mai sălbatic
Some Like It Wilder: The Complete Billy Wilder, o retrospectivă de 26 de filme, își continuă desfășurarea la Muzeul imaginii în mișcare (35th Avenue la 36th Street, Astoria) cu A Foreign Affair (1948), întoarcerea dură a lui Wilder la Berlin după război, cu Marlene Dietrich aruncată împotriva realității ca un nazist nepocăit și Jean Arthur brutalizat ca o congresiană republicană din Iowa într-o competiție sexuală inegală cu Dietrich pentru dragostea unui soldat american corupt (interpretat de John Lund). De asemenea, proeminentul în distribuție este Millard Mitchell, în calitate de ofițer comandant, care nu are nicio prostie. Dietrich cântă Piața Neagră și Ruinele Berlinului. Scenariul hilar a fost atribuit lui Wilder, Charles Brackett și Richard Breen, iar filmările de la Berlin, bombardate, și-au făcut propria declarație ironică. (Sâmbătă, 24 septembrie, ora 14:00)
Stalag 17 (1953) ar fi fost superior celui al lui Donald Bevan și al lui Edmund Trzcinski de pe Broadway. În adaptarea filmului de Wilder și Edwin Blum (care a câștigat un Oscar pentru William Holden), anti-eroul inițial devine eroic neașteptat într-un lagăr de prizonieri de război nazist, menționatul Stalag 17. Splendida distribuție de ansamblu include improvizările echipa de comedie formată din Robert Strauss și Harvey Lembeck (care își repetă jocurile de scenă), Don Taylor, Richard Erdman, Peter Graves, Neville Brand, Ross Bagdasarian și Gil Stratton Jr., precum și ticăloșii de Otto Preminger comandantul taberei sardonice) și Sig Ruman (în calitate de paznic înșelător de cazarmă jovială). În ciuda eroilor de la Hogan de mai târziu - sitcomul insipid inspirat de succesul filmului - Stalag 17 rămâne unul dintre cele mai rezonante amestecuri de comedie și melodramă ale lui Wilder. (Duminică, 25 septembrie, ora 14:00)
The Front Page (1974) este - din păcate - remake-ul obosit al lui Wilder al lui His Hawker Friday de Howard Hawk (1940), care heterosexualizase cu abilitate (alături de Cary Grant și Rosalind Russell) povestea originală romantică a prietenului-amic din etapa Ben Hecht-Charles MacArthur din anii 20. comedie, precum și versiunea filmului Lewis Milestone din 1931 cu Adolphe Menjou și Pat O'Brian (după ce se pare că producătorul Howard Hughes l-a refuzat pe Clark Gable și James Cagney, în primele etape ale carierei lor, pentru rolurile principale). În versiunea Wilder, Jack Lemmon și Walter Matthau restaurează venerabila tradiție a prietenilor. (Sâmbătă, 1 octombrie, 14:00)
The Apartment (1960), fiind afișat într-o imprimare Dolby Digital restaurată de 35 de milimetri, a câștigat binemeritate premiile Oscar pentru cea mai bună imagine, pentru cel mai bun scenariu (Wilder și IAL Diamond), pentru cea mai bună montare (Daniel Mandell) și pentru cea mai bună direcție artistică - decorarea setului ( Alexandre Trauner și Edward G. Boyle). Nemeritată a fost pierderea Oscarului de Shirley MacLaine ca cea mai bună actriță; performanța ei victorioasă a fetei rele a fost infinit superioară ridicolului telefon al Elizabeth Taylor din Butterfield 8 al lui Daniel Mann, pentru care doamna Taylor a câștigat unul dintre premiile sale periodice de la Hollywood, aducând tribut achiziției sale cinice și mașinii sale de publicitate bine unsă. Fred MacMurray este însoțit de rolul ingrat al soțului înșelător și al adulterului răutăcios, dar Jack Lemmon și doamna MacLaine nu sunt decât rafinate în vulnerabilitățile lor comune, pe care le triumfă în cele din urmă într-o explozie de mișcare spectaculoasă a camerei. (Sâmbătă, 1 octombrie, 16:00 și duminică, 2 octombrie, 16:30)
