Paddy Johnson, scriind despre Extinderea Pace Gallery din 2019 și spectacolele sale inaugurale, a spus: „ Avocatul Hollowell Picturile abstracte cu blobs au culori vibrante pentru ele și cam atât.” Cred că Johnson căuta modalități de a aduna critici la adresa galeriei – pe care ea o descrie în același articol ca fiind atrăgând în primul rând „tineri frați financiari, bătrâne entuziasmate cu operații plastice, colecționari motivați financiar și turiști High Line” – și munca lui Hollowell. pur și simplu am fost prins în focul încrucișat. Artista, pentru cei necunoscuti, nu pictează „petele”, iar nuanțele vii ale pânzelor ei nu sunt nici măcar cele mai încântătoare lucruri despre ele.
Ceea ce este atât de interesant la munca lui Hollowell dincolo de culoare este modul în care picturile și desenele ei pastelate par să strălucească din interior, aruncând propria lor lumină pictată asupra curbelor și movilelor cu care oricine are un corp uman ar trebui să se simtă înrudit. Hollowell, a cărei muncă este foarte înrădăcinată în experiența fizicității, nu este deosebit de timidă cu titlurile ei, așa că, dacă nu ești sigur dacă sânul sau penisul sau mons pubis a găsit creierul tău în ceea ce pare la început ca un imagine abstractă, sunt șanse foarte mari ca ceea ce crezi că ai văzut să fie ceea ce ai văzut.
Dacă ți-e dor să vezi selecția noilor desene la scară largă ale lui Hollowell care se închide în doar câteva zile la Pace, mai există „ Loie Hollowell: Space Between, Un studiu de zece ani ”— primul ei sondaj de muzeu aflat acum la Muzeul de Artă Contemporană Aldrich din Ridgefield, Connecticut. Aceasta din urmă, desigur, oferă o imagine mai completă a artei ei, dar există ceva convingător în focalizarea extremă a spectacolului Pace, „Dilation Stage”, care pune în vedere adaptabilitatea corpului feminin – corpul lui Hollowell în special, mamă în abstract — pe ecran complet, spunând o poveste la fel de veche ca omenirea însăși prin schimbarea culorilor.
Observer a luat legătura recent cu Hollowell pentru a întreba despre procesul ei, cum răspund oamenii la temele pe care le alege și artiștii care au influențat-o.
Mulți oameni vorbesc despre abstracție în munca ta, dar cred că pentru oamenii care au avut anumite experiențe – și eu printre ei – nu se simte deloc abstract. Ce crezi că explică asta?
Aceasta este interacțiunea ideală pe care sper să o aibă spectatorii în timp ce se uită la munca mea. Nu mi-am considerat niciodată picturile pe deplin abstracte, deoarece sunt despre experiența trăită viscerală. În timp ce impulsul pentru realizarea unei imagini vine întotdeauna dintr-o circumstanță specifică pe care am trăit-o, vreau ca pictura în sine să funcționeze pe mai multe niveluri și nu doar să ilustreze ceea ce am experimentat. Sunt interesat de toate tipurile diferite de oameni care au propria lor lectură sau conexiune distinctă, iar speranța mea este ca privitorul să fluctueze între a vedea ceva care este abstract și, în același timp, evidențiază elemente ale figurii. De fapt, am descoperit că este imposibil să elimin complet prezența unui corp.
Forma iese adesea în evidență în munca ta, dar ce rol joacă culoarea în temele tale? Ce zici de lumina?
Culoarea și intensitatea luminii sunt de obicei primele elemente la care mă gândesc atunci când compun o imagine. Adesea, cunosc experiența de culoare sau starea generală de spirit pe care vreau să o obțin pentru a exprima o situație înainte de a-mi da seama cum să modelez imaginea. În acest fel, culoarea și lumina sunt personajele călăuzitoare în munca mea.
La Pace, arăți desene care sunt intens biografice – cât de biografică este corpul tău de lucru în general? Și de ce?
Toată munca mea este autobiografică. Totul vine din experiențele personale pe care le-am avut în corpul meu. Am lucrat despre propria mea experiență în lume, din momentul în care mi-am dorit să fiu artist. Este conținutul pe care îl cunosc cel mai bine, pe care îl pot explora cel mai profund și cu care pot vorbi cu cea mai mare autoritate.
VEZI SI: Paloma Contreras Lomas și Ines Doujak sunt aici pentru a vă face să gândiți
Un lucru care m-a frapat la multe dintre piesele tale este că redau corpul feminin într-un mod diferit de privirea masculină – ceea ce este încă neobișnuit în 2024. A fost asta intenționat?
Munca mea explorează adesea experiențele mele dintr-o abordare din interior spre exterior, în special situații pe care le-am experimentat din interiorul corpului și al creierului meu. Având în vedere originea acelui conținut, îmi este imposibil să-mi analizez opera din altă perspectivă decât cea din care îmi experimentez viața, găzduită într-un corp de identificare feminină. În timp ce majoritatea compozițiilor mele se uită îndeaproape la sinele meu intern, am realizat și imagini privindu-mă pe mine sau, mai precis, organele genitale mele în relație cu organele genitale ale partenerului meu. Pentru mine, acea lucrare este cea mai pornografică și mai apropiată de ideea unei priviri de gen.
Oamenii ți-au comparat munca cu cea a Georgiei O’Keeffe — este potrivită această comparație sau există un artist (sau artiști) din trecut cu care simți o legătură mai puternică?
Dacă ar fi să aleg un artist cu care mă simt cel mai conectat din trecut, acesta ar fi Agnes Pelton , datorită explorării ei a luminii și culorii și a modului în care a estompat linia dintre abstractizare și figurație. Georgia O’Keeffe a fost într-adevăr o influență timpurie și poate cea mai mare a mea influență în momentul în care am început să fac acest stil de lucru. Când m-am adâncit prima oară în corpul meu actual de lucrări, făceam de fapt portrete vaginale în formă de floare și foloseam paletele de culori ale lui O’Keeffe pentru inspirație. Dar, pe măsură ce practica mea a evoluat, am constatat că Agnes Pelton și alți pictori transcendentali, precum și pictori neo-tantrici le place Ghulam Rasool Santosh , au fost extrem de influenți în a-mi ajuta să-mi abstrac corpul, păstrând în același timp esența unei experiențe trăite prezente în lucrare.
