Principal Arte Creativitate și izolare: Adevărul care a dat naștere mitului artistului exclusiv

Creativitate și izolare: Adevărul care a dat naștere mitului artistului exclusiv

Izolarea este bună pentru artiști?Khara Woods / Unsplash

Ne găsim într-un moment ciudat în timp, care ne cere să rămânem izolați. Și, în timp ce lumea, așa cum o știm, este în așteptare, trebuie totuși să ne umplem zilele și să încercăm să câștigăm suficienți bani pentru a trece. Unii oameni au norocul de a-și face munca de acasă, alții au fost lăsați până la revenirea normalității, în timp ce mulți au fost concediați în totalitate. Creativii se află într-o poziție ciudată în care pot, cel puțin teoretic, să continue să producă artă în spațiile în care trăiesc. Internetul este plin de sugestii despre ce trebuie să faceți în timp ce vă auto-izolați, cum să treceți timpul, deși mitul artistului sugerează că creativii sunt destul de obișnuiți să fie izolați și sunt minim afectați de acesta. Adevărul în care provine această percepție este de fapt mult mai interesant decât fabula artistului torturat, recluziv, pe care a dat naștere.

Izolarea voluntară a fost o modalitate bună pentru artiști, istoric și astăzi, de a găsi pace pentru a crea, departe de zvonuri, birocrație și zgomotul general al vieții. Arhitect și artist renascentist (și nașul istoriei artei) Giorgio Vasari îi plăcea să meargă la o mănăstire din Toscana rurală unde, așa cum a scris, nu aș fi putut găsi un loc mai bun pentru a mă cunoaște. A fost la una dintre primele sale vizite acolo, o perioadă de două luni, când a pictat un Fecioara și Pruncul cu Sfinții Ioan Botezătorul și Ieronim iar acest lucru i-a determinat pe călugări să îi comande o întreagă altară.

În acest timp, cei care au reușit au părăsit orașele aglomerate în care se răspândea rapid o ciumă. Retragerile la ferme, mănăstiri și zone rurale, departe de grupurile de oameni, a fost una dintre cele mai bune măsuri preventive împotriva bolilor - medicii, la acea vreme, erau slab echipați pentru a recomanda alte măsuri dovedite de a se proteja. În orașe, apa și oțetul erau considerate antiseptice. Tranzacțiile la magazine se limitau la plasarea monedelor într-un castron cu apă sau oțet și la alunecarea monedelor printr-o fanta din ușa magazinului, după care proprietarul magazinului ar glisa bunurile înapoi către cumpărător. Rugăciunea acerbă a fost, de asemenea, considerată un bun apărător împotriva bolilor.

Din punct de vedere istoric, artiștii au reușit să creeze lucrări de auto-izolare dacă au fost legate de evitarea bolilor, dar nu dacă a fost vorba despre evitarea războiului și în situații de asediu. În astfel de timpuri, nervii erau atât de forțați și materialul indisponibil, încât producția artistică avea tendința de a fi extrem de limitată sau inexistentă. De fapt, majoritatea artiștilor au fost repartizați în roluri de ingineri militari în astfel de circumstanțe, precum Leonardo, Benvenuto Cellini și Vasari îndeplinind toți acest rol în perioade de conflict.

În parte datorită moștenirii lui Vasari avem acest mit al creatorului izolat, prin influenta sa carte din 1550, Viețile artiștilor, care îl înfățișează pe artist ca pe cineva care trăiește la periferia societății (la propriu sau metaforic). Clișeul ulterior pe care l-a generat a servit la ridicarea vieții private a unor artiști la un nivel de faimă dincolo chiar de ceea ce atinge munca lor. Exemplul principal este Vincent van Gogh, acel geniu nebun care mănâncă pantofi, care tăia urechile, care evita cafenelele din Paris - unde toți cei care erau în lumea artei ar fi petrecut - și s-au mutat la Arles, în sudul adânc.

Van Gogh este băiatul poster al artistului torturat, izolat, ignorat, pe care îl considerăm adevăratul artist. El a spus că mișcarea sa a fost să se apropie de culori și să se îndepărteze de griurile Parisului și a explicat că a fi complet izolat și departe de oameni și de toate influențele posibile, altele decât viziunile sale, l-au făcut să vadă lucrurile mai clar. Această izolare completă l-a ajutat să se afle zona , sau continuu hipnotizat, așa cum a descris recent Murakami scopul propria sa izolare autoimpusă atunci când scrii o carte nouă. Adevărul este că, pentru mulți creatori, este ideal un spațiu în care pot să se gândească singuri. Scriitorii și artiștii merg în mod regulat la retrageri, ceea ce este, în esență, auto-izolare voluntară pentru a face munca fără distragerea vieții de zi cu zi. Totuși, să nu uităm că mulți creează în studiouri comune, în campusuri aglomerate sau în colaborare cu alții.

Dar se întâmplă, fără îndoială, ceva atunci când investim tot ce avem într-o perioadă mai lungă de imersiune deplină în procesul de a face artă - și puțin sau nimic altceva. În același timp, în multe cazuri, noi, artiștii, ne împingem atât de adânc în lucrarea noastră, încât ne poate deveni invizibilă. Prea des, rezoluția finală, acel clic, acea lovitură a geniului, respirația divinității, când totul (pe care l-ați inclus) este ridicat de pe podea, pe măsură ce magia se așează asupra lucrării dvs., apare doar atunci când vă scoateți fața din ea și respiră puțin. Uneori, plecarea de la muncă ne ajută să vedem totul mai clar. Cât de des blocul scriitorului (sau alte stații ale crucii artistice) a fost rezolvat prin magie printr-o abatere neplanificată, o bătăi neașteptate, o aventură de dragoste sau doar o cafea într-un loc nou, în afara rutinei obișnuite? Deci izolarea este bună pentru a face bucăți mari de muncă. Dar avem nevoie de spațiul de respirație pentru a ne îndepărta de tabla de desen (literalmente) pentru a face noi descoperiri, pentru a rezolva probleme și pentru a găsi notele de grație care completează simfoniile noastre (uneori la propriu).

Atunci când prietenul lui Van Gogh, cândva rivalul său, Paul Gauguin a venit să-și petreacă timpul cu el în Arles, ambii artiști au făcut cu adevărat descoperiri și au înflorit. Dar artiștii pot fi agitați și există o linie subțire între camaraderie și rivalitate. Această ședere comună a transformat prietenia lor într-un dezastru și a inclus acel faimos act al lui Van Gogh care i-a tăiat urechea, urmat de Gauguin care a plecat într-o retragere, departe de civilizația cunoscută așa cum a numit-o - a ajuns în Polinezia.

Unii artiști și-au făcut auto-izolare în arta lor, nu doar un vehicul pentru a crea artă. Chris Burden a pregătit un spectacol ( Piesă de pat, 1972) în care îi dădea instrucțiuni stricte galeristului său să nu se amestece în vreun fel cu el. Apoi s-a prezentat la galerie, s-a întins într-un pat din interior și a rămas acolo, într-o izolare completă autoimpusă, timp de trei luni. Acest lucru a avut un plus de rezonanță pentru el, deoarece, după un accident de mașină rău la vârsta de 13 ani, a fost nevoit să petreacă nouă luni în pat în timp ce se vindeca. Referindu-se la Burden, artistul chinez Tehching Hsieh s-a închis într-o cușcă în studioul său timp de un an întreg ( Cage Piece , 1978-1979).

Este un dans constant pentru artiști între izolare și interacțiune socială. Când există prea multă viață reală, se simte ca o interferență și dorim să avem singur timp pentru a ne face treaba. Dar pur și simplu să fim singuri cu munca noastră poate duce la repetări învechite. Pauzele și interacțiunile ne reîmprospătează și oferă sucurilor noastre creative șansa de a curge din nou. De asemenea, considerăm că cariera noastră este pusă în pericol dacă suntem izolați și lucrăm prea mult timp - aceasta este o preocupare post-modernă, că trebuie să fiți acolo pentru ca lumea artei să vă amintească de dvs. și să vă mențină relevanța.

Nu există un răspuns direct la echilibrul izolației față de socializare pentru artist, dar apreciem libertatea de a alege. Alege când să te izolezi, alege când să te angajezi. Este un proces, un act constant de mers pe sârmă.

Așadar, întrebarea devine, acum mai mult ca niciodată, izolarea înseamnă că voi face artă mai bună sau a fi scufundat în vârtejul social nu numai că îmi deschide șansele de a fi văzut, dar îmi face arta mai bună și mai relevantă? Răspunsul este ambele. Este evidențiat acum, pentru că nu ne putem scufunda în vârtejul social, în afară de pe rețelele sociale, care oferă efectul de amintește-mă, dar nu oferă distanța pozitivă și revigorantă de munca ta, care îți permite să gătești idei noi și să adaugi glazură tortul celor vechi.

Artiștilor le place să sară în extreme. Pentru a naviga cât mai departe posibil de toată lumea, uneori, cufundați în toate colțurile posibile ale marilor proiecte, expoziții, colaborări, publicații, prezentări și prelegeri paralele de artă contemporană. Artiștii vor să arate ce am făcut în timp ce ne aflam într-una din peșterile noastre secrete sau să arătăm că acum putem lucra doar atunci când plutim într-un ocean de informații și disponibilitate ... până când nu putem aștepta să scăpăm din nou, așa că poate respira și aprecia totul. Există multe clișee despre artiști, dar unul este cu siguranță adevărat: indiferent că îmbrățișează extreme sau nu, acestea sunt o grămadă complicată - și mai bine suntem pentru asta. Fără încercările lor creative de a se înțelege pe ei înșiși și pe lume, am fi cu toții mult mai săraci.

Articole Interesante