Principal Divertisment Femeile Uitate Artiste ale Renașterii și Omul care le-a susținut

Femeile Uitate Artiste ale Renașterii și Omul care le-a susținut

Judith Slaying Holofernes , Artemisia Gentileschi.Creative Commons

Istoria artei poate suna ca o petrecere de mezeluri. Unde sunt toate doamnele? Sunt în picturi, desigur, fie ca o versiune idealizată a lor (în portrete formale), ca obiecte de dorință (nuduri), ca obiecte de venerație (Fecioara Maria), ca obiecte de interes sado-masochist, religios (martirii sfintelor feminine), ca zeițe din vechime (Venus sau Diana) sau ca ținte sexuale ale zeilor din vechime (ilustrații din Ovidiu Metamorfoză ). Dar ce zici de cealaltă parte a pânzei? Opriți-vă pe oricine pe stradă și rugați-i să numească o mare artistă de sex feminin și este posibil să vă ofere un nume modern, poate Marina Abramovic sau Tracey Emin. Dar ar putea să numească pe cineva care a trăit înainte de primul război mondial?

I-am întrebat pe unii colegi de istoric de artă și chiar și ei au probleme să vină cu mai mult de o mână de nume (și au recunoscut că și-au amintit numele, dar nu au văzut lucrări ale artiștilor). Din fericire, există câteva expoziții majore care au adus artistele feminine premoderne în prim plan.

New Yorkezii vor fi avut norocul de a participa la anul trecut Vigée Le Brun: femeie artistă în Franța Revoluționară la Muzeul Metropolitan de Artă . Dar cel mai mare nume și poate singura femeie renascentistă despre care ați fi auzit, este prezent în prezent într-o expoziție de succes în Roma: Artemisia Gentileschi și timpul ei la Museo di Roma de la Palazzo Braschi.

Artemisia Gentileschi (1593-1656) este renumită, dar mai ales din motive greșite. A ei este o poveste operatică despre sex și violență - o tragedie de răzbunare iacobeană din viața reală, care prea adesea îi umbrește picturile. Cel mai mare copil al unui pictor celebru, Orazio Gentileschi, a strălucit imediat ca principalul talent al familiei, lucrând în atelierul tatălui ei alături de frații ei. Pentru că tatăl ei, la fel ca atât de mulți artiști din Roma la începutul anilor 1600, a fost uimit de opera lui Caravaggio - pânzele sale dramatice, realiste, violente, dinamice, luminate la fața locului vorbesc despre Roma, nu seamănă cu nicio lucrare care venise înaintea lor - și ea a preluat acest stil și poate fi considerată a doua generație a caravaggistilor.

Stilul lui Caravaggio a fost atât de nou și popular, încât artiștii au venit să-l imite - chiar și cei instruiți în stilul academic, mai stabilit, promovat de Academia Carracci din Bologna - ceva ce nu putea să respecte. El a dat în judecată, sau a amenințat și a adoptat violență împotriva persoanelor care se uitau la stilul său (sau i-au gătit prea tare anghinarea, așa cum a aflat un chelner nefericit). Cu toate acestea, dintre toți imitatorii, doar doi (cel puțin în mintea mea) se remarcă pentru că l-au egalat sau l-au depășit pe Caravaggio însuși. Deși este o opinie subiectivă (dar una împărtășită de mulți), cred că Artemisia a fost la nivelul lui Caravaggio, poate un A la A + al său (o prefer pe ea Judith Decapitând Holofernes pentru el, deoarece se simte mai degrabă ca o fantezie de răzbunare a castrării, care este, desigur, ceea ce înseamnă povestea biblică). Și singurul artist care l-a depășit a fost, fără îndoială, Ribera, subestimată.

În timp ce povestea vieții lui Caravaggio este una de crimă și haos, cea a lui Artemisia este la fel de întunecată. Mama ei a murit la vârsta de doisprezece ani și a fost victima geloziei pentru abilitatea sa remarcabilă, deseori acuzată că a fost ajutată de tatăl sau de frații ei. Dar momentul decisiv al carierei sale a fost, din păcate, unul teribil. Un pictor numit Agostino Tassi, angajat de tatăl ei să o îndrume, a violat-o, alături de un alt agresor, Cosimo Quorlis. O prietenă a lui Artemisia, un chiriaș al familiei pe nume Tuzi, a auzit-o strigând după ajutor, dar i-a ignorat.

Dar povestea a devenit mai complicată. Dacă Tassi, deja căsătorit, ar urma să se căsătorească cu Artemisia, atunci fața ar putea fi salvată (rețineți că acesta a fost 17asecol). Ei și-au continuat relațiile sexuale, Tassi înțelegând Artemisia împreună cu așteptarea căsătoriei. Tatăl ei, Orazio, știa acest lucru, dar a păstrat-o pe mama, pentru a păstra onoarea familiei. Adică, până când a devenit clar că nu va exista căsătorie. În acel moment, Orazio l-a dat în judecată pe Tassi, iar un proces care a atras un interes intens va dura șapte luni.

Procesul a fost un spectacol de groază, atât la propriu, cât și în ceea ce privește poveștile pe care le-a agitat la suprafață. Tassi, a ieșit, își făcuse planuri de a-și ucide soția și avusese alți iubiți în timp ce continua cu Artemisia. Într-o practică extrem de perversă, Artemisia a fost torturată pentru a-și verifica mărturia - presupunerea fiind că va rezista torturii în numele adevărului sau va admite că a mințit pentru a scăpa de ea. Datorită legilor vremii, neamurile nu au avut niciun caz, cu excepția cazului în care au putut dovedi că Tassi a luat virginitatea lui Artemisia, ceea ce era asemănător cu ruinarea financiară a familiei Gentileschi, făcând ca fiica care poartă zestre să nu se căsătorească.

Procesul s-a încheiat nesatisfăcător, ca să spunem cel puțin. Tassi a fost condamnat la un an de închisoare, dar nu a executat nicio zi. Dar povestea lui Artemisia s-a îmbunătățit din acel punct întunecat. La doar o lună după proces, Orazio a organizat o căsătorie aranjată pentru fiica sa, care să se dovedească una fructuoasă. S-a mutat la Florența împreună cu noul ei soț, Pierantonio Stiattesi, un artist de mică renume, dar o figură de susținere. Au avut o fiică, iar cariera lui Artemisia a înflorit, acum din umbra Romei și a familiei sale. A primit comisioane de la Medici din Florența și Carol I al Angliei. S-a împrietenit cu Galileo și a fost prima femeie introdusă în Accademia delle Arte del Disegno din Florența, care fusese fondată în 1563 la instigarea artistului, arhitectului și istoricului renascentist Giorgio Vasari.

Dacă nu pentru Vasari, am fi pierdut urma celor foarte puține femei de artă ale Renașterii. Vasari este cunoscut mai ales pentru că a scris o biografie de grup de artiști, cu ediții în 1550 și 1568, numită Viețile celor mai eminenți pictori, sculptori și arhitecți . Aceasta este considerată prima operă adevărată de istorie a artei, iar opiniile sale despre artă colorează în mare măsură modul în care considerăm arta până în prezent. Deși Vasari a trăit cu o generație înainte de Artemisia, datorită lui știm despre niște artiste feminine minunate ale Renașterii.

Sofonisba Anguissola și cele trei surori ale sale, Lucia, Minerva și Europa, locuiau și lucrau în Cremona. Despre Sofonisba, Vasari a scris: Am văzut în casa tatălui ei un tablou de mână realizat cu mare sârguință care îi arăta celor trei surori jucând șah, și alături de ele o bătrână menajeră, cu atâta sârguință și atenție încât par să fie cu adevărat în viață și să nu lipsească nimic ci puterea vorbirii. El a continuat să scrie că ea a demonstrat o mai mare aplicare și o mai bună grație decât orice altă femeie din epoca noastră în eforturile ei de a desena; astfel a reușit nu numai să deseneze, să coloreze și să picteze din natură, să copieze excelent de la ceilalți, ci a creat singure tablouri rare și foarte frumoase. Lauda lui Vasari față de femeile artiste este nuanțată de un nivel de misoginie, sigur (sună aproape surprins că ea, ca femeie, ar putea crea propriile sale tablouri rare și foarte frumoase). Dar el i-a recunoscut talentul.

Familia Anguissola a fost aristocrația cremoneză, ceea ce poate fi dedus de faptul că au avut timp să studieze pictura și să joace deloc șah. Tatăl lor, Amilcare Anguissola, nu era un artist, spre deosebire de majoritatea artiștilor premoderni. Mai degrabă a fost un tată bogat, iubitor, care le-a oferit fiicelor sale o educație strălucită și le-a încurajat abilitățile în artă, fără să se îngrijoreze de căsătoria lor - un lux pe care bogăția și nobilimea lor le permiteau. Sofonisba avea să călătorească la Roma pentru a-l întâlni pe Michelangelo și mai târziu a devenit pictor de curte pentru regele Filip al II-lea al Spaniei. A trăit o viață lungă și bogată, inclusiv a-și porni primul soț pentru a se căsători cu un căpitan de mare, cu care a rămas timp de 40 de ani. La vârsta de 92 de ani, ea a stat pentru un portret al tânărului Antony Van Dyck în timpul șederii sale în Genova.

Sofonisba este menționată în relatarea lui Vasari despre o altă femeie artistă, Properzia de 'Rossi din Bologna (iartă-i lui Vasari misoginismul, dacă vrei - a fost destul de feminist pentru el să includă artiști feminine în istoria sa): Nici [femeile] nu au fost rușinat să-și pună mâinile albe și blânde la lucrurile mecanice și în mijlocul grosierii marmurei și a rugozității fierului să le urmeze dorințele și să le aducă faimă, așa cum a făcut-o Properzia noastră de Rossi, o tânără talentată nu numai în treburile casnice, dar în forme infinite de cunoaștere care sunt invidia bărbaților, precum și a femeilor.

Properzia avea o specialitate sincer ciudată, dar remarcabilă: putea sculpta figuri minuscule în gropi de piersici. Una dintre cele mai complicate lucrări ale lui Properzia a implicat sculptarea întregii Patimi a lui Hristos, realizată în cea mai frumoasă sculptură, cu un număr mare de figuri în plus față de apostoli și slujitorii răstignirii. Properzia’s Passion Pit ar fi un nume minunat pentru clubul de noapte al unei femei.

Dar de ce, mai exact, erau atât de puține femei de artă înainte de 20asecol? Există un motiv evident și un motiv oarecum mai puțin. Primul este că femeile s-au angajat doar într-un număr limitat de profesii până la Revoluția Industrială și chiar în 20asecol. Meșteșugurile, cum ar fi pictura și sculptura, erau meseria unui om aproape exclusiv, fără un motiv deosebit de bun, în afară de obicei. Femeile Renașterii erau, de obicei, călugărițe, soții și mame, prostituate sau aveau alte ocazii în alte funcții (asistente medicale, servitoare, doamne de serviciu, spălătoare, croitorese etc.)

Motivul mai puțin evident are legătură cu sistemul de studio, care a fost în vigoare și a prevalat în rândul artiștilor până la Revoluția Industrială și, în unele cazuri, dincolo. Majoritatea artiștilor de-a lungul istoriei se antrenează ca ucenici, începând adesea încă de la vârsta de 8 ani, trăind și lucrând cu un maestru. În vârstă de 16 sau 18 ani, li s-a oferit opțiunea de a rămâne ca asistent plătit sau de a lovi singuri, pentru a-și forma propriul studio. Pentru a-și începe propriul studio, un tânăr aspirant a trebuit să prezinte o capodoperă la filiala locală a breslei pictorilor, un fel de proto-uniune care controla calitatea și cantitatea artiștilor care lucrează în regiunea lor (numită de obicei Guild of Sfântul Luca, care a fost hramul pictorilor). Aceasta este definiția corectă a capodoperei: acea lucrare după care un artist este judecat, pentru a determina dacă sunt suficient de buni pentru a deveni un maestru și a-și deschide propriul studio.

Ucenicii și asistenții, care trăiesc și lucrează împreună 24 de ore pe zi, ar putea fi incomode și să nu favorizeze munca dacă situația pe care am coeditat-o, având în vedere hormonii furioși ai copiilor de 12-16 ani. Deci, cu excepția cazului în care o tânără era suficient de bogată pentru a avea un tutore de artă angajat sau dacă nu se afla în familia unui artist care lucrează, nu ar avea șansa de a practica arta. Până la 19asecolului, când materialele pentru artiști au început să fie produse în fabrică, pigmenții, pânzele și panourile erau scumpe, adesea în mod prohibitiv, cu excepția cazului în care erau achiziționate ca parte a unui comision plătit. Astfel, nu exista o tradiție de a face artă doar pentru distracție, datorită costului implicat. Așadar, nu este surprinzător faptul că ar trebui să existe relativ puține femei de renume înainte de epoca modernă, când domeniul artei, ca majoritatea profesiilor, s-a deschis cu un nivel de egalitate din ce în ce mai mare.

Studiourile există încă (ia în considerare astăzi Damien Hirst și Jeff Koons, cei doi artiști cei mai bine vânduți din istorie, care proiectează și supraveghează crearea operei lor de artă, dar de fapt nu o fac ei înșiși, echipa lor de asistenți făcând majoritatea activităților practice muncă). Dar vechiul sistem al breslei s-a dizolvat odată cu Revoluția Industrială, iar arta nu mai este legată de un gen sau de altul.

Poate că este ironic, dar doar că marea majoritate a istoricilor de artă sunt femei. Deși femeile artiști din epocile trecute erau prețioase, femeile conduc studiul artei cu o marjă imensă, acum, și depășesc numărul bărbaților din marile case de licitații (deși nu întotdeauna la vârf). Deci, probabil, în viitor, vom afla și mai multe despre femeile artist din trecut.

Acesta este cel mai recent din Braganca Arts ” serie nouă Secretele și simbolurile , de autorul și istoricul de artă Noah Charney. Următoarea sa carte este despre Giorgio Vasari și influența sa și va fi publicată de Norton în toamna viitoare.

Articole Interesante